Elle, à Bruxelles. Nous, à Nantes. Entre les deux, une plateforme de visioconférence. Et surtout, Nos FEUX, la nouvelle création de Léa Vinette. Nous sommes en juin. Et la première est encore loin. Très loin même… Mars 2024. « Je sors de trois semaines de résidence et je suis dans une phase de digestion. Durant cette période, j’ai commencé à construire Nos FEUX de manière chronologique. Puis, j’ai décidé d’arrêter de procéder ainsi pour me concentrer de manière isolée sur des matériaux, des scènes… Travailler de manière chronologique faisait que le matériau ne se révélait pas suffisamment exploité ». Même si elle est naturellement en pleine phase de réflexion, la chorégraphe formée au Conservatoire de Nantes puis de Lyon sait parfaitement où elle va. Et surtout d’où elle part. Et ce même si l’origine de ses mondes dansés relève de l’accidentel. Pour Nox, sa première création, un article du Monde Diplomatique consacré à la pollution lumineuse. Pour Nos FEUX, Annette, le film de Leos Carax, et La Psychanalyse du feu, le livre de Gaston Bachelard, théoricien de la connaissance scientifique.

« J’ai ressenti une émotion très forte pendant la scène d’ouverture d’Annette. Elle m’a invitée à créer. Parallèlement, aux puces de Sainte-Croix à Nantes, j’avais acheté pour un euro La Psychanalyse du feu. J’ai senti une intuition forte que ce livre pourrait m’ouvrir un champ de création, comme un appel vers l’énergie du feu. Le livre de Bachelard réunit trois mondes qui m’attirent : la poésie, la chimie et la psychologie. ». Et cette deuxième création s’est aussi imposée rapidement sur la route de Léa Vinette. « Je voulais apprendre à devenir un peu plus chorégraphe. Nox est un solo où tout un aspect du travail chorégraphique n’a pas été exploré. Avec Nos FEUX, je franchis une nouvelle étape ».

Cette quête multiple se nourrit aussi par le travail des médiatiques volcanologues Katia et Maurice Krafft, les Cousteau de la lave.

« Attention, nous n’incarnons pas les Krafft. Mais deux figures cherchant leur voie, défendant des territoires et rencontrant, pendant leur périple, des personnages imaginaires. Ces deux figures sont constamment attirées par des éruptions émotionnelles, de danse… Ces événements les surprennent. Et sur leur chemin, elles découvrent une matière rouge et bien réelle au plateau. De ce chaos, ces deux créatures renaissent à nouveau. Nos FEUX déploie ce qui bouillonne à l’intérieur de ces corps : du désir, des pulsions, des chansons, de la lave… ». À l’autre bout de l’écran, celle qui est entrée dans la danse dès l’âge de 4 ans à l’école de musique de Rezé ne perd jamais le fil de sa recherche et cherche rarement ses mots. Mais pourquoi parler de figures ? Du tac au tac, Léa Vinette enchaîne : « Oui, nous ne savons pas si ce sont vraiment des personnages, des hommes, des femmes, des animaux… Dans leur monde, il n’existe pas de logique réelle. Je ne voulais pas enfermer ces deux figures dans une relation de couple, de frère et soeur, de parents et d’enfant… J’ai ce désir de créer un être non genré. L’important, ce sont les émotions, les transformations, la quête… Par contre, il était évident que pour m’accompagner, je voulais un homme. Pour que nous soyons tous les deux malléables. Pour que nous explorions ensemble le féminin, le masculin ». Alors oui, Nos FEUX, ce sont ceux de Léa Vinette. Mais au regard de sa prose combat et de ce que la chorégraphe veut déverser sur scène, ce sont aussi les nôtres.

→ Propos recueillis par Arnaud Bénureau en juin 2024.

Avant ce projet, qu’évoquait pour toi Serena Williams ?
Marion Solange-Malenfant : Une figure sportive que je connaissais ; mais que je connaissais mal. Clairement, c’est Clément qui me l’a faite rencontrer.

Le tennis est un sport de mouvement. Ton écriture s’est-elle inscrite dans cette dynamique ?
Je suis partie en considérant la pièce comme un match de tennis. Dans le texte, il y a deux prologues – Entrée sur le cours et L’échauffement, deux sets à jouer et la remise des trophées. Je l’ai vraiment écrit ainsi en toute liberté.

Malgré cette liberté, avais-tu des consignes d’écriture de la part de Clément Pascaud ?
Elles étaient assez simples. C’était un solo. Je devais commencer mon récit par « Bonjour, je m’appelle Clément. » Ensuite, nous nous sommes mis d’accord pour que le début de la pièce prenne des allures de conférence pour doucement glisser vers le monde des souvenirs personnels. Pour écrire, je me suis focalisée sur deux solitudes. Celle de Clément et celle de Serena. 

Lorsque l’on s’attaque à une figure populaire comme Serena Williams, ressent-on une certaine forme de pression?
Je n’avais aucun complexe face à elle. Je sentais que je pouvais écrire sur elle. Par contre, cela m’a été plus compliqué du côté de Clément. Comment écrire son autofiction sans être lui ? J’avais peur de la trahir. Puis j’ai compris que cette petite trahison amènerait la fiction nécessaire au théâtre.

Qu’as-tu appris sur Serena Williams en travaillant sur cette pièce ?
Sa manière dont elle rebondit à chaque fois. Cette force de caractère de revenir toujours plus fort. J’ai aimé creuser ses côtés les plus lose afin de ne pas me focaliser sur le rêve américain.

Et inversement, qu’as-tu appris sur Clément ?
Sa pudeur, sa joie de vivre, sa générosité… Ça m’a fait du bien de bosser pour lui.

Pourquoi cette pièce s’appelle Serena et non Serena Williams ?
Clément Pascaud : Pour une raison très simple : Serena Williams est une marque. Alors que Serena, c’est un prénom que l’on peut utiliser. Et puis, elle a su dépasser son nom de famille. Tout le monde dit Serena. Comme tout le monde dit Rafa pour Rafael Nadal. Et pour moi, c’était une évidence. Dès le début de ce projet, je l’appelle Serena.

En quoi, Serena est un modèle pour toi ?
Tout cela relève de ma passion extrême. À 12/13 ans, ce modèle m’a sauvé. En juin 2022, à un moment de ma carrière où j’étais perdu ; elle est revenue me sauver une nouvelle fois. La boucle était bouclée.

As-tu donné des consignes d’écriture à Marion ?
Lorsque l’on fait une commande d’écriture, il est impossible de donner des consignes. Enfin, je le vois ainsi. Par contre, je ne voulais pas qu’il y ait un sentiment de revanche dans le texte. Je souhaitais qu’il soit plein d’espoir. Et je ne voulais pas jouer un ado sur scène. L’action ne se déroule pas en 2002 lorsque je rencontre Serena ; mais bien aujourd’hui. Ce personnage ne pouvait être incarné que par moi. Le personnage, c’est Clément Pascaud.

De qui apprend-on le plus à l’issue de la pièce ?
C’est une question compliquée. J’avais la volonté d’un texte très subtil et que le connaisseur de tennis s’approche du mythe et prenne son pied. Serena n’est pas un faire-valoir mal géré. Du point de vue de Serena Williams, du tennis, c’est très complet. En parallèle, c’est un spectacle qui lutte contre tous les préjugés : sur les sportifs, sur Serena Williams, sur l’homosexualité… Et Marion a su faire de Serena une figure artistique.

Ressens-tu une certaine forme de pression en t’attaquant malgré tout à un tel mythe ? 
Depuis un an, je ne vis que pour Serena. Forcément, je ne vais pas jouer le match avant. En tous les cas, Serena m’a réconcilié avec beaucoup de choses. Créer est un acte difficile. Il peut nous mettre dans un état de doutes. Et Serena, le mythe, a su m’apaiser, me donner confiance tout comme l’écriture de Marion.

Propos recueillis par Arnaud Bénureau en juin 2023

Comment est né le désir de ce spectacle ?

Le désir de ce spectacle est né de deux événements : la rencontre avec l’écrivain et spéléologue Martin Mongin, et également le fait de recevoir par la poste un article écrit en 1989 par une journaliste française. Dans cet article, elle décrit sa rencontre avec deux anthropologues et sociologues allemands Dietmar Kamper et Ulrich Sonneman, professeurs à la Freie Universität de Berlin. En compagnie d’une trentaine de chercheur·ses, ils s’apprêtent à mener une expédition à la recherche de l’Atlantide parce qu’ils considèrent que l’engloutissement du continent disparu serait la « catastrophe initiale », la catastrophe qui fonde notre rapport la catastrophe. Ils pensent que tant que l’humanité n’aura pas retrouvé les traces de cette catastrophe première, elle sera tentée de la reproduire, d’organiser son engloutissement, comme le retour d’un refoulé enfoui dans notre inconscient collectif. L’article s’arrête quelques semaines avant leur départ. Avec l'écrivain et auteur du spectacle, Martin Mongin nous avons commencé à enquêter sur ce qu’était devenue cette expédition.
 

Comment travaillez-vous ?

Nous avons mené avec chaque personne de l’équipe des « immersions », des temps d’explorations de territoires aux limites de notre imagination, des lieux touchés par la question de l’engloutissement. Nous avons arpenté les grottes marines du cap Fréhel, mais aussi la baie du Mont Saint-Michel, pour avoir une sensation de cette mer qui se retire très loin et dévoile ce qui nous était caché. Nous avons exploré la lande de Saint-Just et dormi non loin de ses mégalithes, puis la rade de Lorient, nous avons plongé au large de l’île de Santorin, marché dans la plaine de la Crau. C’était une façon de nourrir la dramaturgie du spectacle en conviant sur scène les territoires que nous avons arpentés, ces endroits qui portent en eux une mémoire, les traces d’un passé lointain. C’est également une manière de faire de la dramaturgie avec nos pieds en marchant dans les rochers. Ces immersions sont aussi une façon d’inviter tous mes collaboteur·ices à se fabriquer une intelligence de la pièce, à vivre le processus de création comme une expédition, avec ses péripéties et ses imprévus parce que le réel fabrique en permanence de la fiction.

De quelle manière l’époque t’inspire ?

Je ne sais pas si elle m’inspire car je pense qu’elle me constitue. Elle imbibe nos corps, nos pensées, dés lors impossible de la considérer comme un sujet extérieur. On peut toutefois entrer en dialogue avec elle, avec soi, regarder d’autres époques en miroir. J’ai l’impression de vivre une époque à la fois tragique et passionnante, parce qu’on traverse un moment d’entredeux mondes.

→ Propos recueillis en juin 2023.